Transcripción al español del Episodio 5 de el Chico Podcast
Helena Anrather. El arte en tiempos de pandemia

JA: Hola Helena, muchas gracias por estar con nosotros

HA: El placer es mío, muchas gracias por invitarme

JA: Pues sí, es un gran placer tener esta conversación contigo para el Chico Podcast, por favor perdonad la calidad del sonido por que estamos grabando remotamente. Helena está en Nueva York y yo en Madrid; hubiese sido increíble viajar hasta ahí para grabar, pero eso ya parece historia antigua. Voy a contar un poco acerca de cómo nos conocimos: conocí a Helena en la feria NADA en Miami en ¿2017?

HA: Creo que 2018

JA: Sí, en 2018. Yo estaba revisando los previews de la feria e inmediatamente me impactó el trabajo de Cindy Ji Hye Kim, entonces le envié un correo a Helena, y fue mi primera visita en la feria y tuvimos suerte de poder adquirir obras de Cindy en ese momento y ahí empezamos lo que tengo como una relación preciosa que, por supuesto empezó siendo de trabajo, pero se ha convertido en una gran amistad. Desde entonces sigo muy de cerca lo que hace Helena en la galería y también conocí a Megan (Yuan) que ha sido instrumental para lo que se ha convertido Helena Anrather. He sido muy inspirado por lo que Helena ha venido haciendo no solo en cuanto a la selección de artistas, sino también por cómo ha surfeado la industria y las siempre cambiantes demandas del mundo del arte en Nueva York. Y también, Helena ha estado a mi lado desde la incepción de el Chico, así que es una gran felicidad tenerte aquí, Helena

HA: Es un gran placer charlar contigo sobre cosas que han ido resonando entre nosotros desde hace ya un tiempo

JA: Para empezar, ¿nos podrías contar sobre tus antecedentes? ¿Cómo empezaste la galería, por ejemplo?

HA: Empecé la galería hace casi exactamente cuatro años, en marzo de 2017 y quería un espacio de experimentación, pero donde todo siguiera construyéndose sobre lo que ya se había hecho. Había estado vendiendo obra de mis amigos, y haciendo exhibiciones pop-up y también escribiendo, pero tenía la sensación de que sería muy emocionante enfocar mi energía en un solo espacio que a su vez creciera en la comunidad. Y ya sabes, toma tiempo para que el árbol de sus frutos, así que quería pasar un tiempo en un espacio y ver qué salía de ahí

JA: Ya, lo entiendo. ¿De dónde venías profesionalmente, qué habías hecho antes de abrir la galería?

HA: Mi primer experiencia como becaria, y que solo la traigo a colación por que fue muy formativa para mi, fue en Creative Time, que es un gran proyecto sin fines de lucro que se realiza a través de la ciudad de Nueva York que lleva realizando proyectos desde hace 30 años y que para mi fue un espacio increíble para pensar en la audiencia y cómo los artistas alcanzan a la audiencia y también cómo una organización puede ayudar a artistas tomar una idea y convertirla en una realidad que toque a otras personas.

JA: ¿En qué proyectos participaste en Creative Time?

HA: Oh Javier, ¡no recuerdo ahora!

JA: Bueno, uno que recuerdes…

HA: ¡Sí! Claro, un proyecto que amé fue el de Paul Ramírez Jonas “Key to the City”, donde él creó una especie de mapa de exploración en los cinco distritos donde la gente encontraba distintos detalles de este proyecto y esos detalles abrían historias o pequeñas perspectivas interesantes sobre una esquina de la ciudad que no se conocía ampliamente. Entonces se sentía como una especie de búsqueda del tesoro, en un doble sentido, donde ibas a buscar algo que había sido plantado y creado por el artista, pero también al mismo tiempo, descubrías tu ciudad de una manera que no habías hecho antes. Y eso fue muy especial, ver cómo la gente se veía afectada a la vez que algo podía funcionar a gran escala

JA: ¿Y después de Creative Time?

HA: Después comencé a hablar con gente y me di cuenta de que las galerías podían ser un lugar interesante para mi, por que en cierto sentido podían ser los jugadores más ágiles en el mundo del arte, así que rápidamente busqué otro trabajo de becaria y lo encontré en Yvon Lambert cuando todavía tenía la galería en Nueva York y no pude haber tenido más suerte de empezar en el mundo de las galerías que haberlo hecho con él, por que fue una educación increíble, no solo en el aspecto de las galerías, sino en el arte del último medio siglo, por que él empezó su galería en París en 1967 y muchos de los artistas que llevó desde Nueva York a París se quedaron con él por casi 50 años, así que esa experiencia fue increíble. Después de eso trabajé en Lehman Maupin, donde aprendí cómo opera el sistema y las normas de una galería, las relaciones y el negocio. Después ayudé a abrir la galería de Taymour Grahne que se centraba en arte contemporáneo del Medio Oriente, que me pareció muy interesante por abrir la conversación del arte en Nueva York y traer otras perspectivas internacionales a la vez que me enseñó a abrir una galería, lo que en ese momento me parecía imposible

JA: Podemos decir que desde el comienzo has tenido estas dos perspectivas diferentes de cómo podemos trabajar con arte. Trabajar con Creative Time era básicamente trabajar en un non-profit, pero con Yvon Lambert y Lehman Maupin, esas son realmente galerías que trabajan como galerías. ¿Trabajar en esos dos aspectos del mundo del arte, te hizo pensar en esta idea de la galería como creadora de comunidad? ¿Te influyó haber trabajado en los dos lados de la moneda?

HA: Sí, claro. La verdad es que los non-profit trabajan muy de cerca con las galerías. Nos debemos a diferentes fuerzas o diferente gente, pero trabajamos con los mismos artistas y en general siento que las galerías dan soporte y apoyo.

JA: Desde el principio decidiste no representar artistas, incluso habiendo trabajado en galerías que tenían su propio listado de artistas, ¿por qué decidiste hacerlo así?

HA: Pensé que eso me daría mucha más flexibilidad a la hora de centrarme en el contenido y la programación y tampoco creí que siendo un espacio nuevo tuviese mucho que ofrecer a los artistas –representarlos me parecí aun poco presuntuoso. Y entonces me centré en encontrar qué podíamos hacer suceder juntos. Pero ya sabes, un espacio prospera a través de relaciones duraderas y la comunidad es un espacio al que la gente vuelve regularmente y eso es lo que ha sucedido en la galería, en la que seguimos trabajando con artistas con los que trabajamos ya en el pasado. Entonces es una dinámica más flexible, quizás

JA: Y también has trabajado con diferentes generaciones de artistas

HA: Sí. Una de as primeras exhibiciones de la galería –y es un buen ejemplo de la no representación de artistas–, la tercer exhibición que hicimos fue un grupo de artistas de otra generación que llevaban en la escena alrededor de 20 años y realmente se acercaron a mi con esta idea de hacer una exhibición, supongo que por que les gustaba yo y el espacio y lo que estaba tratando de hacer. Entonces fue muy generoso de su parte ofrecerme esa fantástica exhibición que titulamos, de manera muy simple, “CarlJackieSteveMichelle”; dos parejas de artistas que se conocen desde hace mucho tiempo y han trabajado hombro a hombro desde hace décadas pero que nunca habían exhibido juntos y lo que aportaron a la galería fue una audiencia ya constituida de gente que venía siguiendo su trabajo y sus carreras desde hace mucho tiempo. Y, de hecho, esta exhibición fue la que nos dio nuestro primer artículo en el New Yorker

JA: Wow. ¿Cómo difundiste la palabra en el inicio? ¿Cómo vinieron estos artistas a ti?

HA: Bueno, creo que, estando ahí. Muchas fiestas, muchas visitas de estudio. Muchos cafés, conocer a los artistas que me interesaban, seguirlos, escuchar en qué estaban interesados y estar pendiente de lo que pasaba en mi comunidad alrededor de eso

JA: Tengo que decir que eres una de las galeristas más activas que conozco en cuanto al número de visitas de estudio que haces. Y he aprendido de eso, porque si realmente quieres entender qué es lo que esta pasando en tu comunidad tienes que ir a visitar todos esos estudios y no solo por que quieras trabajar con los artistas sino por que algunos de ellos son importantes para lo que realmente esta sucediendo en una ciudad o comunidad o para otros artistas que están siendo influidos por lo que ellos hacen. ¿Cómo fue ese primer artículo del New Yorker?

HA: Fue muy emocionante, creo que fue Andrew Scott quien dijo que era una joven y valiente galerista, y yo pensé que eso era lo mejor del mundo. No, pero creo que lo que dices sobre las visitas de estudio es muy importante por que he aprendido que no solo se trata de los artistas con los que quieres trabajar, por que puedes ver algo, visitar a alguien y no entiendes lo que están haciendo o parece quizá muy salvaje o que no está listo, pero algo emergerá de ahí. Que no puedes entender siempre todo desde el principio y que si probablemente lo haces, quizás no es muy bueno o nuevo u original. Así que salir y arriesgarte a no entender o no saber, y ser abierto y aprender cómo leer algo que está sucediendo en proceso es realmente fundamental

JA: Y es una especie de entrenamiento

HA: Sí, por supuesto. Y también, algunas veces alguien está trabajando en algo que está en sus primeros pasos y luego 6 meses después, encuentran el lenguaje para ello y es increíble y es muy emocionante ver cómo han llegado hasta ahí

JA: Sí. Yo creo que esto es algo que he aprendido de ti, por que algo que no podemos negar es que tienes un muy buen ojo, pero también eres muy generosa al momento de juzgar cuándo un artista está ahí o no, pero cuando confías en tu instinto, y sabes que alguien solo necesita un poco más de tiempo, tu vas con ellos, los acompañas hasta que encuentran su lenguaje, no quizás de la práctica entera, pero sí de un cuerpo de obra específico, el lenguaje que necesita para expresar lo que quieren decir con esas obras. Y eso lo he visto en tu galería en varias ocasiones con al menos tres artistas que has exhibido. Por eso digo que es una especie de entrenamiento, ¿no?

HA: Sí, especial y honestamente en un clima como el de Nueva York, donde hay muchísimas galerías. Tienes que poder trabajar con un artista incluso cuando no está listo, por que habrá alguien que lo haga si tu no lo haces. No es una cultura que permita al arte madurar en sus propios términos, en aislamiento por un tiempo hasta que esté listo, por que hay muchas galerías tratando de encontrar la mejor gente con la cual trabajar, así que tienes que ser capaz de trabajar con alguien antes de que esté listo. Y darle una exhibición incluso antes de que tu creas que deberían tenerla y esperar que eso lo lleve a madurar su trabajo

JA: Esto es un punto interesante. La próxima exhibición que vamos a hacer en el Chico va a ser la primera de posgraduados. Es algo que no es muy común en España, las exhibiciones de posgraduados o de grado, por que no solo en USA sino en Londres o Berlín, esos shows se convierten en una especie de cantera para ir y encontrar lo que viene en seguida. ¿Qué tan importantes han sido esas exhibiciones para ti en lo que se refiere a encontrar artistas?

HA: Fueron muy importantes en nuestros inicios, pero sigo pensando que son fundamentales porque vas a ver algo que quizás no te atrae al principio o si lo hace no te mueve, pero esos artistas seguirán trabajando por años y entonces, entenderás el trabajo mejor por haberlo visto desde su incepción, desde el inicio. Pero creo que también hay una presión muy fuerte en Nueva York, pero supongo que, en todos lados, por que se pretende que los artistas estén completamente formados en cuanto terminan sus estudios, y hay algunos que sí, pero otros no y eso no es malo. En mi opinión el arte es una carrera de fondo, no es como las matemáticas, que los matemáticos tienen sus mejores ideas entre los 20 y 30, el arte lleva décadas para madurar. Pero es verdad que he encontrado trabajo increíble yendo a las exhibiciones de posgraduados y por eso intento ver todo cuanto sea posible. De hecho, la exhibición que tengo ahora son dos artistas, Kristin Walsh y Gregory Kalliche; el trabajo de Kristin lo descubrí en un open studio en Columbia hace cuatro años y medio, casi cinco. Y conseguí convencer a Kristin para incluir lo que vi en ese estudio en la primera exhibición de la galería, y hemos seguido trabajando hasta ahora

JA: ¿Estaba en tu primera exhibición?

HA: Sí, sí

JA: Cuéntanos más sobre esa exhibición

HA: Pues la primera exhibición fueron 9 artistas, una gran colectiva, que titulamos “A scream runs through the house” e iba sobre el poder de los objetos, su poder psíquico, pensando en el objeto artístico en una manera en que pudiese conectar gente, que pudiesen actuar como tejido conector entre las personas. Y parecía un buen lugar para empezar en mi espacio, que tiene una vibra muy íntima de apartamento y fue increíble. Fue una exhibición muy rara. Sentí que estábamos liberados de los estándares de las presentaciones que ves en galerías más establecidas. Por ejemplo, tenía las notas de prensa en la nevera por que no tenía una superficie dónde ponerlas, entonces… Fue muy experimental y cálido. Tuvimos una gran cena al final, por que varios de los artistas no se conocían, pero sabía que se caerían bien. Entonces desinstalamos y dimos una gran fiesta para todos y algunas amistades salieron de esa exhibición y esa cena, que realmente era el objetivo

JA: Claro, se trata de esa flexibilidad de la que estabas hablando. Esa flexibilidad algunas veces realmente permite que otras cosas sucedan. Por que no es ese ambiente en el que sientes que tienes que estar rígido y siguiendo algunas reglas. Tengo que decir que tu galería es una de las más cálidas que conozco; he estado en esas fiestas y reuniones y tengo que decir que son maravillosas, o lo eran antes del COVID

HA: Gracias. Yo pienso que una ciudad como Nueva York tiene una historia increíble de arte por que ha sido un espacio donde los artistas se pueden permitir vivir cerca unos de los otros y pasar tiempo juntos. La comunidad es una cosa muy importante para el intercambio de ideas y para el buen arte. Siento mucha nostalgia por espacios experimentales en la ciudad y que me gusta tener en mente cuando estoy enhebrando la aguja entre ser un negocio y un lugar de riesgo y exploración y no realmente orientado solo al negocio con relación a los esfuerzos e iniciativas que realizamos, porque cuando la gente quiere venir a verse unos a otros en este espacio al que no le puedes poner exactamente un nombre, eso es muy importante

JA: Y cuántas exhibiciones has hecho hasta ahora?

HA: Los he contado para ti y hemos hecho 27, sin incluir ferias de arte. Y algunas de las cosas que hemos hecho no son precisamente exhibiciones, así que no sé si puedes contarlas. Hemos tenido grupos de lectura, o hemos convertido la galería este invierno en unas residencias exprés para artistas, como sus propios estudios para que trabajaran. Cuando estuvimos cerrados por COVID, me pregunté qué podría hacer con el espacio, a quién podría servir, cómo podría servir a los artistas en ese tiempo en que la gente no podía venir a ver arte. Entonces tratamos de usar el espacio para cosas que no siempre cuentan como exhibiciones

JA: Sí, de hecho, lo que hiciste el invierno pasado durante COVID, por que todo era muy raro y hacer exhibiciones en persona era imposible, convertir la galería en una residencia pop-up y la experimentación que sucedió ahí –chicos, deberíais ver en la web de la galería lo que hicieron durante esos meses. Me parece un gran ejemplo sobre como podemos romper el molde. No por que seas conocido como una galería que solo hace exhibiciones, eso no significa que no se puedan hacer diferentes cosas solo para adaptarse mejor a los tiempos y es algo que todos tenemos que hacer ahora mismo

HA: Claro, y eso vuelve a la razón por la que me interesé en las galerías en el principio, por ser los jugadores ágiles del mundo del arte, por que solo se deben a sus lineamientos, mientras que los non-profits tienen comités. Las galerías en su mayor parte pueden responder muy rápido a cosas que quieren hacer, por que pueden cambiar sus horarios y si pueden pagarlo, pueden hacerlo

JA: Es una libertad distinta

HA: Sí, y ciertamente se aplica más este año que ningún otro

JA: Y ¿cómo has ido seleccionando a los artistas con los que has trabajado hasta ahora?

HA: Es un proceso muy intuitivo y personal. Como te decía antes, busco algo que quizá no siempre entienda en un principio, o algo que me sorprenda. Mucho del arte que ahora me encanta me tomó mucho tiempo entenderlo. Pero hay otros fundamentos sobre lo que sé que quiero exhibir y es que he descubierto que el humor y la belleza son maneras muy generosas de atraer al espectador al mundo del artista, así que eso tiende a estar presente en mi programación. Y también, de manera más práctica, encuentro artistas a través de otros artistas, exhibiciones de posgraduados, exhibiciones colectivas, programas en ciudades que admiro. Encuentro que el trabajo que exhibimos gira alrededor de lo que sucede en el área de Nueva York, sobre esta comunidad que se crea alrededor de nosotros, por que estar en Nueva York nos da la posibilidad de exhibir un amplio espectro de voces y perspectivas y la gente trae diferentes experiencias en su arte, que creo es muy importante cuando piensas en ese tejido conectivo emocional que es el arte y que puede hacer el mundo más empático e inclusivo

JA: Es muy importante tener eso como fundamento cuando piensas en seleccionar artistas o hacer una exhibición colectiva, por que al final del día la galería debería ser… O quizás es algo más relacionado con nuestra generación, pensar en la galería como un constructor de comunidad, un lugar en la comunidad para juntarse donde la gente puede ir y ver que hay muchas voces diferentes que escuchar. Creo que, hasta ahora, habéis hecho un gran trabajo

HA: Gracias, es una de las razones por las que es importante ser un lugar cálido

JA: Sí, exactamente. Y cómo crees que estás posicionada ahora mismo entre las galerías de tu edad en Nueva York

HA: Hmmm…

JA: Numero uno, bitch!

HA: ¡Hahahaha! Es muy difícil entender dónde está nada ahora mismo, o por lo menos para mi, después de haberme sentido más aislada que nunca, después de este año. Pero me gusta pensar que la gente nos conoce por hacer exhibiciones reflexivas y mostrar escultura e instalación, tomando más riesgos de los necesariamente prácticos. Y también un lugar divertido para ir a ver a otras personas. Nos han dicho que somos un lugar con ‘buena vibra’; un instalador vino y nos dijo “Mi amigo que está abajo en el camión me ha dicho, sí, ese lugar está bien, tiene ‘buena vibra’”. Y realmente aprecié eso

JA: Esto me lleva a preguntarte cómo ha a afectado la pandemia al negocio, desde una perspectiva comercial y artística

HA: Bueno, creo que todos hemos tenido que pivotear obviamente y creo que informamos lo que hicimos, lo que exhibimos. Cuando cerramos estábamos recién abriendo la segunda exhibición en la galería de Farah Al Qasimi; afortunadamente la fotografía se traduce relativamente bien en una pantalla, así que eso estuvo bien. Luego convertimos nuestra web en un canal colaborativo de video arte, en la que tu graciosamente contribuiste. Eso estuvo muy bien por que nos permitió exhibir y dar base a un medio que considero que es increíblemente importante y no es tan comercialmente viable, así que no tiene mucha atención en el mundo de las galerías de Nueva York, quizás por los retos que supone. Y fue perfecto ser capaces de compartir en estas circunstancias inusuales; los artistas fueron muy generosos al flexibilizar las condiciones de exhibir sus obras para que la gente pudiera ver las obras en sus laptops, llamamos el canal “Screeners”. Fue mucho trabajo y no hubo ventas por que no era el concepto, pero fue muy lindo sentirnos conectados esa primavera. Había una gran comunidad de gente y todos teníamos ideas sobre qué compartir y mirar, fue increíble

JA: Sí, creo que la respuesta fue genial a ese primer experimento y no solo hablo por mí. Siento que toda la gente que contribuyó a realizar “Screeners”, estábamos emocionados por este tipo diferente de conexión, por que entonces no estábamos conectados para nada, por supuesto estábamos haciendo todos Zoom, pero esto se sintió más como una forma de conectarse artísticamente. Y tenía un resultado, por que al final podías ver por algunos días una obra de video arte. Fue genial, yo realmente lo disfruté

HA: ¡Gracias! La respuesta fue muy positiva. Y creo que tiene que ver con cómo empezamos a mirar arte online, aprender cómo el arte se puede traducir de manera online, que por supuesto es algo que seguimos tratando de descifrar. Creo que las ventas online están aquí para quedarse

JA: Sí, como las mascarillas, ¿no?

HA: Sí. Mi preocupación es que hay arte que es increíble y que no se traduce tan bien en una pantalla

JA: Como por ejemplo, el trabajo de Baris Gokturk. Me perdí esa exhibición y realmente quería verla en vivo por que tengo la sensación de que las obras eran mucho más poderosas en vivo de lo que eran en una pantalla, por que en la pantalla ya eran fuertes. ¿Cómo navegaste esa exhibición en particular?

HA: Empecé tomando fotos, muchos detalles con mi teléfono y ahora que hago más visitas de estudio virtuales, les pido a los artistas que claro, necesito las imágenes oficiales, pero también varias fotos de las superficies con el teléfono, de malos ángulos, para que pueda entender más cómo se siente una obra. Esas fotos de mala calidad del iPhone pueden darme una ligera mejor sensación de cómo es la obra en la vida real

JA: Más que una foto profesional, por que algunas veces pueden ser asépticas

HA: Cierto

JA: Pero la exhibición fue un gran éxito

HA: Sí, lo fue, gracias a dios. Las pinturas de protesta de Baris son muy poderosas especialmente en Nueva York después del verano de las protestas de Black Lives Matter. Respondieron a una experiencia que fue reflexiva y generosa y de fines abiertos, no didáctica

JA: Y muy acertada en el tiempo

HA: Sí, muy acertada en el tiempo. Baris lleva trabajando en estas obras desde 2018 y de hecho tuve una visita de estudio con él cuando estaba en su primer año en Columbia y este cuerpo de obra estaba recién en su incepción. Yo estaba pensando en qué podríamos exhibir después de ese verano increíble, por que no quería negar lo que había sucedido en ese verano en Nueva York, quería exhibir arte que respondiera a eso. Y fue genial haber tenido ya conversaciones con Baris y que él estuviese ya trabajando en esa obra que responde a las protestas de una manera más amplia, fue perfecto para ese momento donde todos podíamos relacionarnos de una manera más intensa

JA: Y volviendo a cómo trabajas con tus artistas desde el principio, ¿cómo puedes decir que esa flexibilidad o libertad a evolucionado al día de hoy?

HA: Ha sucedido orgánicamente. Mientras continuamos descifrando los beneficios de seguir trabajando juntos, las relaciones a largo plazo tienen sentido. Pero la naturaleza de esa relación depende de las necesidades y los objetivos de los artistas y lo que nosotros podemos ofrecer. Y también sobre lo bien que podamos hacer el trabajo para el artista; hay obra de artistas que me encanta y he apoyado por que creo que son increíblemente talentosos, pero por los que no he podido hacer mucho independientemente de mi fe en el trabajo, entonces esos artistas se han ido a trabajar con otra galería que puede hacer más por ellos, ya sea por que son galerías mayores o tienen otra audiencia

JA: O por que tienen una infraestructura más grande también

HA: Exactamente

JA: Así que ves ese movimiento como algo natural. Ese movimiento de un artista que quizá esté tratando de alcanzar otros objetivos o a otra audiencia, lo ves natural

HA: Sí, y creo que también continuar trabajando con artistas cuando estás haciendo un buen trabajo juntos también es natural. Si hay transparencia, honestidad y buena comunicación sobre cómo estamos trabajando juntos

JA: Y lo que quieren conseguir el uno para el otro

HA: Exacto. Y si sigue yendo bien, la relación continúa, en mi experiencia. Si no se alinea, tienden a irse a otro lugar

JA: Terminar la relación

HA: Exactamente

JA: Quizá en los últimos dos años he visto artistas que deciden irse a galerías grandes, a mega galerías, pero siguen manteniendo su digamos, galería madre. Y creo que quizás, ojalá, veremos más ejemplos como esos después de todo lo que ha sucedido, después del COVID. Por que ahora sabemos que no solo se trata del dinero, no solo se trata de hacer una transacción exitosa. Hay maneras diferentes de alcanzar el éxito y no tiene que ser económicamente y creo que es por eso por lo que algunos artistas van a ser suficientemente generosos y listos para decir “Ok, quiero alcanzar este objetivo y por eso es por lo que me voy a una estructura diferente, pero también mantengo lo otro que ha sido muy verdadero y honesto hacia lo que creo y quiero hacer”. ¿Qué piensas?

HA: Pienso lo mismo. Creo que es un poco ingenuo...

JA: Es bueno ser ingenuo

HA: Pero creo que los humanos se necesitan unos a otros. Y las comunidades van hacia atrás y adelante. Como te decía, yo me beneficié mucho de los artistas que me ayudaron a construir la galería con su voto de fe y exhibiendo con nosotros cuando no éramos nada. Los artistas y los espacios necesitan ser generosos los unos con los otros

JA: Sí, todos necesitamos ser generosos ahora mismo. Hablando de generosidad, hablemos de las ferias de arte. La siguiente que tienes en persona es Frieze NY, ¿qué piensas sobre las ferias yendo hacia el futuro?

HA: Creo que son duras pero esenciales para el crecimiento, para galerías de mi tamaño. Fue uno de mis primeros pensamientos cuando tuvimos que cerrar por la pandemia, ¿cómo voy a crecer si no puedo juntarme con gente? Por que es un mundo muy social y de relaciones en el que trabajamos. En términos de conocer más gente, sacar a nuestros artistas, sacar nuestro programa y verme con colegas. Son algo quizás desafortunadamente esencial y lo digo por que creo que también pueden ser extractivas para pequeñas galerías y son muy duras financieramente

JA: Lo hemos visto. En estos casi dos años en los que las galerías no han hecho ferias, es cierto, todo ese lado se ha quedado inexplorado o incluso ha sido prohibido, sacar a tus artistas fuera, vender más, poder conocer más gente. Pero a la misma vez, estáis ahorrando dinero y para algunas galerías eso ha significado poder seguir abiertas

HA: Sí, y también está el agotamiento. Tienes que elegir tus ferias muy cuidadosamente por que hay cientos al año, entonces si haces una feria al mes significa doblar o más tu carga de trabajo. Hay que proceder con cautela

JA: ¿Y qué piensas sobre las ferias online?

HA: Pienso que han mostrado lo importante que son las ferias en persona, por que pasa muy poco en las ferias online en relación a contactos y relaciones, en mi experiencia. Y también lo que consideramos cuidadosamente que será exitoso en una feria, se hace más patente en una feria online; depende de lo que se ve bien en una pantalla, eso va a determinar lo que funciona y lo que no

JA: ¿Echas de menos viajar?

HA: Muchísimo. De hecho estaba hablando acerca de los ojalá posibles viajes para este verano, tengo listas de todo lo que quiero hacer, ciudad por ciudad. Pero también ha sido bueno bajar la velocidad un poco. ¿Tu echas de menos viajar?

JA: Yo echo de menos a la gente. Claro que también echo de menos ver arte, no es que no lo esté viendo ahora, pero miro más lo que hay en la pantalla. Y hay algunas veces donde realmente necesitas ver la obra, especialmente cuando tratas con artistas emergentes. Me encantaría ver la exhibición de Alice Neel, pero conozco a Alice Neel. Sin embargo y volviendo a la exhibición de Baris, me hubiese encantado verla por que creo que tiene potencial, pero me lo perdí. Echo de menos tener conversaciones con diferentes personas, así que echo de menos a la gente, no viajar precisamente.
¿Qué crees que tenga que cambiar hablando de instituciones, galerías, artistas, para sobrevivir los efectos de la pandemia que estamos viendo pero que creo que están por venir también?

HA: Esa es una gran pregunta. Creo que no ha sido solo la pandemia; venimos de cuatro años de Trump. Nosotros estamos en Chinatown y en el país estamos viendo esta horrible violencia y racismo contra la comunidad asiática. Creo que está siendo un momento de reevaluación para las instituciones, o eso espero, o eso creo que es lo que tiene que suceder en este año que ha expuesto incluso más las marcadas desigualdades en los EUA y nuestros puntos ciegos en cuanto a injusticia, racismo e inclusión. Así que creo que tenemos que presionar por una diversificación activa y una escucha activa

JA: Y creativamente ¿qué ves que está pasando en una ciudad como Nueva York ahora mismo?

HA: Creo que ha habido un florecimiento de la ayuda mutua muy emocionante. Los artistas se han involucrado, bueno, realmente siempre han estado involucrados, pero creo que es algo que realmente está surgiendo y que vuelve a la comunidad. Y creo que los artistas han estado muy ocupados en sus estudios

JA: ¿Qué te emociona ahora mismo?

HA: Quiero relajarme

JA: Estás emocionada por relajarte

HA: Sí, estoy emocionada por relajarme, cuidarme y cuidar de mis queridos un poquito más

JA: Entonces para terminar, ¿cuáles son tus planes para el resto del año, personalmente y para la galería?

HA: Espero poder ir a Europa este verano. Hay la Bienal de Arquitectura este año en Venecia y de hecho, mi marido y uno de nuestros artistas estarán participando así que sería muy divertido volver a Venecia, hay mucho que hacer y ver en Europa. Y también cerrar un año solido de programación

JA: Muchas gracias, Helena, por esta conversación y por compartir tus pensamientos con el Chico

HA: ¡Muchas gracias por invitarme! Ha sido un placer

JA: Si alguno va a los Estados Unidos, visitad la galería y visitad helenaanrather.com para ver sus proyectos, seguidlos en Instagram porque es un gran proyecto. Os felicitamos por lo que estáis haciendo. Muchas gracias, Helena

HA: Muchas gracias, Javier

JA: ¡Cuídate!

HA: Bye