Transcripción al español del Episodio 5 de el Chico
Podcast
Helena Anrather. El arte en
tiempos de pandemia
JA: Hola Helena, muchas gracias por estar con nosotros
HA: El placer es mío, muchas gracias por invitarme
JA: Pues sí, es un gran placer tener esta conversación
contigo para el Chico Podcast, por favor perdonad la calidad del sonido por que
estamos grabando remotamente. Helena está en Nueva York y yo en Madrid; hubiese
sido increíble viajar hasta ahí para grabar, pero eso ya parece historia
antigua. Voy a contar un poco acerca de cómo nos conocimos: conocí a Helena en
la feria NADA en Miami en ¿2017?
HA: Creo que 2018
JA: Sí, en 2018. Yo estaba revisando los previews de la
feria e inmediatamente me impactó el trabajo de Cindy Ji Hye Kim, entonces le
envié un correo a Helena, y fue mi primera visita en la feria y tuvimos suerte
de poder adquirir obras de Cindy en ese momento y ahí empezamos lo que tengo
como una relación preciosa que, por supuesto empezó siendo de trabajo, pero se
ha convertido en una gran amistad. Desde entonces sigo muy de cerca lo que hace
Helena en la galería y también conocí a Megan (Yuan) que ha sido instrumental
para lo que se ha convertido Helena Anrather. He sido muy inspirado por lo que
Helena ha venido haciendo no solo en cuanto a la selección de artistas, sino
también por cómo ha surfeado la industria y las siempre cambiantes demandas del
mundo del arte en Nueva York. Y también, Helena ha estado a mi lado desde la
incepción de el Chico, así que es una gran felicidad tenerte aquí, Helena
HA: Es un gran placer charlar contigo sobre cosas que han
ido resonando entre nosotros desde hace ya un tiempo
JA: Para empezar, ¿nos podrías contar sobre tus
antecedentes? ¿Cómo empezaste la galería, por ejemplo?
HA: Empecé la galería hace casi exactamente cuatro años,
en marzo de 2017 y quería un espacio de experimentación, pero donde todo
siguiera construyéndose sobre lo que ya se había hecho. Había estado vendiendo
obra de mis amigos, y haciendo exhibiciones pop-up y también escribiendo, pero
tenía la sensación de que sería muy emocionante enfocar mi energía en un solo
espacio que a su vez creciera en la comunidad. Y ya sabes, toma tiempo para que
el árbol de sus frutos, así que quería pasar un tiempo en un espacio y ver qué
salía de ahí
JA: Ya, lo entiendo. ¿De dónde venías profesionalmente,
qué habías hecho antes de abrir la galería?
HA: Mi primer experiencia como becaria, y que solo la
traigo a colación por que fue muy formativa para mi, fue en Creative Time, que
es un gran proyecto sin fines de lucro que se realiza a través de la ciudad de
Nueva York que lleva realizando proyectos desde hace 30 años y que para mi fue
un espacio increíble para pensar en la audiencia y cómo los artistas alcanzan a
la audiencia y también cómo una organización puede ayudar a artistas tomar una
idea y convertirla en una realidad que toque a otras personas.
JA: ¿En qué proyectos participaste en Creative Time?
HA: Oh Javier, ¡no recuerdo ahora!
JA: Bueno, uno que recuerdes…
HA: ¡Sí! Claro, un proyecto que amé fue el de Paul
Ramírez Jonas “Key to the City”, donde él creó una especie de mapa de
exploración en los cinco distritos donde la gente encontraba distintos detalles
de este proyecto y esos detalles abrían historias o pequeñas perspectivas interesantes
sobre una esquina de la ciudad que no se conocía ampliamente. Entonces se
sentía como una especie de búsqueda del tesoro, en un doble sentido, donde ibas
a buscar algo que había sido plantado y creado por el artista, pero también al
mismo tiempo, descubrías tu ciudad de una manera que no habías hecho antes. Y
eso fue muy especial, ver cómo la gente se veía afectada a la vez que algo
podía funcionar a gran escala
JA: ¿Y después de Creative Time?
HA: Después comencé a hablar con gente y me di cuenta de
que las galerías podían ser un lugar interesante para mi, por que en cierto
sentido podían ser los jugadores más ágiles en el mundo del arte, así que
rápidamente busqué otro trabajo de becaria y lo encontré en Yvon Lambert cuando
todavía tenía la galería en Nueva York y no pude haber tenido más suerte de
empezar en el mundo de las galerías que haberlo hecho con él, por que fue una
educación increíble, no solo en el aspecto de las galerías, sino en el arte del
último medio siglo, por que él empezó su galería en París en 1967 y muchos de
los artistas que llevó desde Nueva York a París se quedaron con él por casi 50
años, así que esa experiencia fue increíble. Después de eso trabajé en Lehman
Maupin, donde aprendí cómo opera el sistema y las normas de una galería, las
relaciones y el negocio. Después ayudé a abrir la galería de Taymour Grahne que
se centraba en arte contemporáneo del Medio Oriente, que me pareció muy
interesante por abrir la conversación del arte en Nueva York y traer otras
perspectivas internacionales a la vez que
me enseñó a abrir una galería, lo que en ese momento me parecía imposible
JA: Podemos decir que desde el comienzo has tenido estas
dos perspectivas diferentes de cómo podemos trabajar con arte. Trabajar con
Creative Time era básicamente trabajar en un non-profit, pero con Yvon Lambert
y Lehman Maupin, esas son realmente galerías que trabajan como galerías.
¿Trabajar en esos dos aspectos del mundo del arte, te hizo pensar en esta idea
de la galería como creadora de comunidad? ¿Te influyó haber trabajado en los
dos lados de la moneda?
HA: Sí, claro. La verdad es que los non-profit trabajan
muy de cerca con las galerías. Nos debemos a diferentes fuerzas o diferente
gente, pero trabajamos con los mismos artistas y en general siento que las
galerías dan soporte y apoyo.
JA: Desde el principio decidiste no representar artistas,
incluso habiendo trabajado en galerías que tenían su propio listado de
artistas, ¿por qué decidiste hacerlo así?
HA: Pensé que eso me daría mucha más flexibilidad a la
hora de centrarme en el contenido y la programación y tampoco creí que siendo
un espacio nuevo tuviese mucho que ofrecer a los artistas –representarlos me
parecí aun poco presuntuoso. Y entonces me centré en encontrar qué podíamos
hacer suceder juntos. Pero ya sabes, un espacio prospera a través de relaciones
duraderas y la comunidad es un espacio al que la gente vuelve regularmente y
eso es lo que ha sucedido en la galería, en la que seguimos trabajando con
artistas con los que trabajamos ya en el pasado. Entonces es una dinámica más
flexible, quizás
JA: Y también has trabajado con diferentes generaciones
de artistas
HA: Sí. Una de as primeras
exhibiciones de la galería –y es un buen ejemplo de la no representación de
artistas–, la tercer exhibición que hicimos fue un grupo de artistas de otra
generación que llevaban en la escena alrededor de 20 años y realmente se
acercaron a mi con esta idea de hacer
una exhibición, supongo que por que les gustaba yo y el
espacio y lo que estaba tratando de hacer. Entonces fue muy generoso de su
parte ofrecerme esa fantástica exhibición que titulamos, de manera muy simple,
“CarlJackieSteveMichelle”; dos parejas de artistas que se conocen desde hace
mucho tiempo y han trabajado hombro a hombro desde hace décadas pero que nunca
habían exhibido juntos y lo que aportaron a la galería fue una audiencia ya
constituida de gente que venía siguiendo su trabajo y sus carreras desde hace
mucho tiempo. Y, de hecho, esta exhibición fue la que nos dio nuestro primer
artículo en el New Yorker
JA: Wow. ¿Cómo difundiste la palabra en el inicio? ¿Cómo
vinieron estos artistas a ti?
HA: Bueno, creo que, estando ahí. Muchas fiestas, muchas
visitas de estudio. Muchos cafés, conocer a los artistas que me interesaban,
seguirlos, escuchar en qué estaban interesados y estar pendiente de lo que
pasaba en mi comunidad alrededor de eso
JA: Tengo que decir que eres una de las galeristas más
activas que conozco en cuanto al número de visitas de estudio que haces. Y he
aprendido de eso, porque si realmente quieres entender qué es lo que esta
pasando en tu comunidad tienes que ir a visitar todos esos estudios y no solo
por que quieras trabajar con los artistas sino por que algunos de ellos son
importantes para lo que realmente esta sucediendo en una ciudad o comunidad o
para otros artistas que están siendo influidos por lo que ellos hacen. ¿Cómo
fue ese primer artículo del New Yorker?
HA: Fue muy emocionante, creo que fue Andrew Scott quien
dijo que era una joven y valiente galerista, y yo pensé que eso era lo mejor
del mundo. No, pero creo que lo que dices sobre las visitas de estudio es muy
importante por que he aprendido que no solo se trata de los artistas con los
que quieres trabajar, por que puedes ver algo, visitar a alguien y no entiendes
lo que están haciendo o parece quizá muy salvaje o que no está listo, pero algo
emergerá de ahí. Que no puedes entender siempre todo desde el principio y que
si probablemente lo haces, quizás no es muy bueno o nuevo u original. Así que
salir y arriesgarte a no entender o no saber, y ser abierto y aprender cómo
leer algo que está sucediendo en proceso es realmente fundamental
JA: Y es una especie de entrenamiento
HA: Sí, por supuesto. Y también, algunas veces alguien
está trabajando en algo que está en sus primeros pasos y luego 6 meses después,
encuentran el lenguaje para ello y es increíble y es muy emocionante ver cómo
han llegado hasta ahí
JA: Sí. Yo creo que esto es algo que he aprendido de ti,
por que algo que no podemos negar es que tienes un muy buen ojo, pero también
eres muy generosa al momento de juzgar cuándo un artista está ahí o no, pero
cuando confías en tu instinto, y sabes que alguien solo necesita un poco más de
tiempo, tu vas con ellos, los acompañas hasta que encuentran su lenguaje, no
quizás de la práctica entera, pero sí de un cuerpo de obra específico, el
lenguaje que necesita para expresar lo que quieren decir con esas obras. Y eso
lo he visto en tu galería en varias ocasiones con al menos tres artistas que
has exhibido. Por eso digo que es una especie de entrenamiento, ¿no?
HA: Sí, especial y
honestamente en un clima como el de Nueva York, donde hay muchísimas galerías.
Tienes que poder trabajar con un artista incluso cuando no está listo, por que
habrá alguien que lo haga si tu no lo haces. No es una cultura que permita al
arte madurar en sus propios términos, en aislamiento por un tiempo hasta que
esté listo, por que hay muchas galerías tratando de encontrar la mejor gente
con la cual trabajar, así que tienes que ser capaz de trabajar con alguien
antes de que esté listo. Y darle una exhibición incluso antes de que tu creas
que deberían tenerla y esperar que eso lo lleve a madurar su trabajo
JA: Esto es un punto interesante. La próxima exhibición
que vamos a hacer en el Chico va a ser la primera de posgraduados. Es algo que
no es muy común en España, las exhibiciones de posgraduados o de grado, por que
no solo en USA sino en Londres o Berlín, esos shows se convierten en una
especie de cantera para ir y encontrar lo que viene en seguida. ¿Qué tan
importantes han sido esas exhibiciones para ti en lo que se refiere a encontrar
artistas?
HA: Fueron muy importantes en nuestros inicios, pero sigo
pensando que son fundamentales porque vas a ver algo que quizás no te atrae al
principio o si lo hace no te mueve, pero esos artistas seguirán trabajando por
años y entonces, entenderás el trabajo mejor por haberlo visto desde su
incepción, desde el inicio. Pero creo que también hay una presión muy fuerte en
Nueva York, pero supongo que, en todos lados, por que se pretende que los
artistas estén completamente formados en cuanto terminan sus estudios, y hay
algunos que sí, pero otros no y eso no es malo. En mi opinión el arte es una
carrera de fondo, no es como las matemáticas, que los matemáticos tienen sus
mejores ideas entre los 20 y 30, el arte lleva décadas para madurar. Pero es
verdad que he encontrado trabajo increíble yendo a las exhibiciones de
posgraduados y por eso intento ver todo cuanto sea posible. De hecho, la
exhibición que tengo ahora son dos artistas, Kristin Walsh y Gregory Kalliche;
el trabajo de Kristin lo descubrí en un open studio en Columbia hace cuatro
años y medio, casi cinco. Y conseguí convencer a Kristin para incluir lo que vi
en ese estudio en la primera exhibición de la galería, y hemos seguido
trabajando hasta ahora
JA: ¿Estaba en tu primera exhibición?
HA: Sí, sí
JA: Cuéntanos más sobre esa exhibición
HA: Pues la primera exhibición fueron 9 artistas, una
gran colectiva, que titulamos “A scream runs through the house” e iba sobre el
poder de los objetos, su poder psíquico, pensando en el objeto artístico en una
manera en que pudiese conectar gente, que pudiesen actuar como tejido conector
entre las personas. Y parecía un buen lugar para empezar en mi espacio, que
tiene una vibra muy íntima de apartamento y fue increíble. Fue una exhibición
muy rara. Sentí que estábamos liberados de los estándares de las presentaciones
que ves en galerías más establecidas. Por ejemplo, tenía las notas de prensa en
la nevera por que no tenía una superficie dónde ponerlas, entonces… Fue muy
experimental y cálido. Tuvimos una gran cena al final, por que varios de los
artistas no se conocían, pero sabía que se caerían bien. Entonces desinstalamos
y dimos una gran fiesta para todos y algunas amistades salieron de esa
exhibición y esa cena, que realmente era el objetivo
JA: Claro, se trata de esa flexibilidad de la que estabas
hablando. Esa flexibilidad algunas veces realmente permite que otras cosas
sucedan. Por que no es ese ambiente en el que sientes que tienes que estar
rígido y siguiendo algunas reglas. Tengo que decir que tu galería es una de las
más cálidas que conozco; he estado en esas fiestas y reuniones y tengo que
decir que son maravillosas, o lo eran antes del COVID
HA: Gracias. Yo pienso que una ciudad como Nueva York
tiene una historia increíble de arte por que ha sido un espacio donde los
artistas se pueden permitir vivir cerca unos de los otros y pasar tiempo
juntos. La comunidad es una cosa muy importante para el intercambio de ideas y
para el buen arte. Siento mucha nostalgia por espacios experimentales en la
ciudad y que me gusta tener en mente cuando estoy enhebrando la aguja entre ser
un negocio y un lugar de riesgo y exploración y no realmente orientado solo al
negocio con relación a los esfuerzos e iniciativas que realizamos, porque
cuando la gente quiere venir a verse unos a otros en este espacio al que no le
puedes poner exactamente un nombre, eso es muy importante
JA: Y cuántas exhibiciones has hecho hasta ahora?
HA: Los he contado para ti y hemos hecho 27, sin incluir
ferias de arte. Y algunas de las cosas que hemos hecho no son precisamente
exhibiciones, así que no sé si puedes contarlas. Hemos tenido grupos de
lectura, o hemos convertido la galería este invierno en unas residencias exprés
para artistas, como sus propios estudios para que trabajaran. Cuando estuvimos
cerrados por COVID, me pregunté qué podría hacer con el espacio, a quién podría
servir, cómo podría servir a los artistas en ese tiempo en que la gente no
podía venir a ver arte. Entonces tratamos de usar el espacio para cosas que no
siempre cuentan como exhibiciones
JA: Sí, de hecho, lo que hiciste el invierno pasado
durante COVID, por que todo era muy raro y hacer exhibiciones en persona era imposible,
convertir la galería en una residencia pop-up y la experimentación que sucedió
ahí –chicos, deberíais ver en la web de la galería lo que hicieron durante esos
meses. Me parece un gran ejemplo sobre como podemos romper el molde. No por que
seas conocido como una galería que solo hace exhibiciones, eso no significa que
no se puedan hacer diferentes cosas solo para adaptarse mejor a los tiempos y
es algo que todos tenemos que hacer ahora mismo
HA: Claro, y eso vuelve a la razón por la que me interesé
en las galerías en el principio, por ser los jugadores ágiles del mundo del
arte, por que solo se deben a sus lineamientos, mientras que los non-profits
tienen comités. Las galerías en su mayor parte pueden responder muy rápido a
cosas que quieren hacer, por que pueden cambiar sus horarios y si pueden
pagarlo, pueden hacerlo
JA: Es una libertad distinta
HA: Sí, y ciertamente se aplica más este año que ningún
otro
JA: Y ¿cómo has ido seleccionando a los artistas con los
que has trabajado hasta ahora?
HA: Es un proceso muy intuitivo y personal. Como te decía
antes, busco algo que quizá no siempre entienda en un principio, o algo que me
sorprenda. Mucho del arte que ahora me encanta me tomó mucho tiempo entenderlo.
Pero hay otros fundamentos sobre lo que sé que quiero exhibir y es que he
descubierto que el humor y la belleza son maneras muy generosas de atraer al
espectador al mundo del artista, así que eso tiende a estar presente en mi
programación. Y también, de manera más práctica, encuentro artistas a través de
otros artistas, exhibiciones de posgraduados, exhibiciones colectivas,
programas en ciudades que admiro. Encuentro que el trabajo que exhibimos gira
alrededor de lo que sucede en el área de Nueva York, sobre esta comunidad que
se crea alrededor de nosotros, por que estar en Nueva York nos da la
posibilidad de exhibir un amplio espectro de voces y perspectivas y la gente
trae diferentes experiencias en su arte, que creo es muy importante cuando
piensas en ese tejido conectivo emocional que es el arte y que puede hacer el
mundo más empático e inclusivo
JA: Es muy importante tener eso como fundamento cuando
piensas en seleccionar artistas o hacer una exhibición colectiva, por que al
final del día la galería debería ser… O quizás es algo más relacionado con
nuestra generación, pensar en la galería como un constructor de comunidad, un
lugar en la comunidad para juntarse donde la gente puede ir y ver que hay
muchas voces diferentes que escuchar. Creo que, hasta ahora, habéis hecho un
gran trabajo
HA: Gracias, es una de las razones por las que es
importante ser un lugar cálido
JA: Sí, exactamente. Y cómo crees que estás posicionada
ahora mismo entre las galerías de tu edad en Nueva York
HA: Hmmm…
JA: Numero uno, bitch!
HA: ¡Hahahaha! Es muy difícil entender dónde está nada
ahora mismo, o por lo menos para mi, después de haberme sentido más aislada que
nunca, después de este año. Pero me gusta pensar que la gente nos conoce por
hacer exhibiciones reflexivas y mostrar escultura e instalación, tomando más
riesgos de los necesariamente prácticos. Y también un lugar divertido para ir a
ver a otras personas. Nos han dicho que somos un lugar con ‘buena vibra’; un
instalador vino y nos dijo “Mi amigo que está abajo en el camión me ha dicho,
sí, ese lugar está bien, tiene ‘buena vibra’”. Y realmente aprecié eso
JA: Esto me lleva a preguntarte cómo ha a afectado la
pandemia al negocio, desde una perspectiva comercial y artística
HA: Bueno, creo que todos hemos tenido que pivotear
obviamente y creo que informamos lo que hicimos, lo que exhibimos. Cuando
cerramos estábamos recién abriendo la segunda exhibición en la galería de Farah
Al Qasimi; afortunadamente la fotografía se traduce relativamente bien en una
pantalla, así que eso estuvo bien. Luego convertimos nuestra web en un canal
colaborativo de video arte, en la que tu graciosamente contribuiste. Eso estuvo
muy bien por que nos permitió exhibir y dar base a un medio que considero que
es increíblemente importante y no es tan comercialmente viable, así que no
tiene mucha atención en el mundo de las galerías de Nueva York, quizás por los
retos que supone. Y fue perfecto ser capaces de compartir en estas
circunstancias inusuales; los artistas fueron muy generosos al flexibilizar las
condiciones de exhibir sus obras para que la gente pudiera ver las obras en sus
laptops, llamamos el canal “Screeners”. Fue mucho trabajo y no hubo ventas por
que no era el concepto, pero fue muy lindo sentirnos conectados esa primavera.
Había una gran comunidad de gente y todos teníamos ideas sobre qué compartir y
mirar, fue increíble
JA: Sí, creo que la respuesta fue genial a ese primer
experimento y no solo hablo por mí. Siento que toda la gente que contribuyó a
realizar “Screeners”, estábamos emocionados por este tipo diferente de
conexión, por que entonces no estábamos conectados para nada, por supuesto
estábamos haciendo todos Zoom, pero esto se sintió más como una forma de
conectarse artísticamente. Y tenía un resultado, por que al final podías ver
por algunos días una obra de video arte. Fue genial, yo realmente lo disfruté
HA: ¡Gracias! La respuesta fue muy positiva. Y creo que
tiene que ver con cómo empezamos a mirar arte online, aprender cómo el arte se
puede traducir de manera online, que por supuesto es algo que seguimos tratando
de descifrar. Creo que las ventas online están aquí para quedarse
JA: Sí, como las mascarillas, ¿no?
HA: Sí. Mi preocupación es que hay arte que es increíble
y que no se traduce tan bien en una pantalla
JA: Como por ejemplo, el trabajo de Baris Gokturk. Me
perdí esa exhibición y realmente quería verla en vivo por que tengo la
sensación de que las obras eran mucho más poderosas en vivo de lo que eran en
una pantalla, por que en la pantalla ya eran fuertes. ¿Cómo navegaste esa exhibición
en particular?
HA: Empecé tomando fotos, muchos detalles con mi teléfono
y ahora que hago más visitas de estudio virtuales, les pido a los artistas que
claro, necesito las imágenes oficiales, pero también varias fotos de las
superficies con el teléfono, de malos ángulos, para que pueda entender más cómo
se siente una obra. Esas fotos de mala calidad del iPhone pueden darme una
ligera mejor sensación de cómo es la obra en la vida real
JA: Más que una foto profesional, por que algunas veces
pueden ser asépticas
HA: Cierto
JA: Pero la exhibición fue un gran éxito
HA: Sí, lo fue, gracias a dios. Las pinturas de protesta
de Baris son muy poderosas especialmente en Nueva York después del verano de
las protestas de Black Lives Matter. Respondieron a una experiencia que fue
reflexiva y generosa y de fines abiertos, no didáctica
JA: Y muy acertada en el tiempo
HA: Sí, muy acertada en el tiempo. Baris lleva trabajando
en estas obras desde 2018 y de hecho tuve una visita de estudio con él cuando
estaba en su primer año en Columbia y este cuerpo de obra estaba recién en su
incepción. Yo estaba pensando en qué podríamos exhibir después de ese verano
increíble, por que no quería negar lo que había sucedido en ese verano en Nueva
York, quería exhibir arte que respondiera a eso. Y fue genial haber tenido ya
conversaciones con Baris y que él estuviese ya trabajando en esa obra que
responde a las protestas de una manera más amplia, fue perfecto para ese
momento donde todos podíamos relacionarnos de una manera más intensa
JA: Y volviendo a cómo trabajas con tus artistas desde el
principio, ¿cómo puedes decir que esa flexibilidad o libertad a evolucionado al
día de hoy?
HA: Ha sucedido orgánicamente. Mientras continuamos
descifrando los beneficios de seguir trabajando juntos, las relaciones a largo
plazo tienen sentido. Pero la naturaleza de esa relación depende de las
necesidades y los objetivos de los artistas y lo que nosotros podemos ofrecer.
Y también sobre lo bien que podamos hacer el trabajo para el artista; hay obra
de artistas que me encanta y he apoyado por que creo que son increíblemente
talentosos, pero por los que no he podido hacer mucho independientemente de mi
fe en el trabajo, entonces esos artistas se han ido a trabajar con otra galería
que puede hacer más por ellos, ya sea por que son galerías mayores o tienen
otra audiencia
JA: O por que tienen una infraestructura más grande
también
HA: Exactamente
JA: Así que ves ese movimiento como algo natural. Ese
movimiento de un artista que quizá esté tratando de alcanzar otros objetivos o
a otra audiencia, lo ves natural
HA: Sí, y creo que también continuar trabajando con
artistas cuando estás haciendo un buen trabajo juntos también es natural. Si
hay transparencia, honestidad y buena comunicación sobre cómo estamos
trabajando juntos
JA: Y lo que quieren conseguir el uno para el otro
HA: Exacto. Y si sigue yendo bien, la relación continúa,
en mi experiencia. Si no se alinea, tienden a irse a otro lugar
JA: Terminar la relación
HA: Exactamente
JA: Quizá en los últimos dos años he visto artistas que
deciden irse a galerías grandes, a mega galerías, pero siguen manteniendo su
digamos, galería madre. Y creo que quizás, ojalá, veremos más ejemplos como
esos después de todo lo que ha sucedido, después del COVID. Por que ahora
sabemos que no solo se trata del dinero, no solo se trata de hacer una
transacción exitosa. Hay maneras diferentes de alcanzar el éxito y no tiene que
ser económicamente y creo que es por eso por lo que algunos artistas van a ser
suficientemente generosos y listos para decir “Ok, quiero alcanzar este
objetivo y por eso es por lo que me voy a una estructura diferente, pero
también mantengo lo otro que ha sido muy verdadero y honesto hacia lo que creo
y quiero hacer”. ¿Qué piensas?
HA: Pienso lo mismo. Creo que es un poco ingenuo...
JA: Es bueno ser ingenuo
HA: Pero creo que los humanos se necesitan unos a otros.
Y las comunidades van hacia atrás y adelante. Como te decía, yo me beneficié
mucho de los artistas que me ayudaron a construir la galería con su voto de fe
y exhibiendo con nosotros cuando no éramos nada. Los artistas y los espacios
necesitan ser generosos los unos con los otros
JA: Sí, todos necesitamos ser generosos ahora mismo.
Hablando de generosidad, hablemos de las ferias de arte. La siguiente que
tienes en persona es Frieze NY, ¿qué piensas sobre las ferias yendo hacia el
futuro?
HA: Creo que son duras pero esenciales para el
crecimiento, para galerías de mi tamaño. Fue uno de mis primeros pensamientos
cuando tuvimos que cerrar por la pandemia, ¿cómo voy a crecer si no puedo
juntarme con gente? Por que es un mundo muy social y de relaciones en el que
trabajamos. En términos de conocer más gente, sacar a nuestros artistas, sacar
nuestro programa y verme con colegas. Son algo quizás desafortunadamente
esencial y lo digo por que creo que también pueden ser extractivas para
pequeñas galerías y son muy duras financieramente
JA: Lo hemos visto. En estos casi dos años en los que las
galerías no han hecho ferias, es cierto, todo ese lado se ha quedado
inexplorado o incluso ha sido prohibido, sacar a tus artistas fuera, vender
más, poder conocer más gente. Pero a la misma vez, estáis ahorrando dinero y
para algunas galerías eso ha significado poder seguir abiertas
HA: Sí, y también está el agotamiento. Tienes que elegir
tus ferias muy cuidadosamente por que hay cientos al año, entonces si haces una
feria al mes significa doblar o más tu carga de trabajo. Hay que proceder con
cautela
JA: ¿Y qué piensas sobre las ferias online?
HA: Pienso que han mostrado lo importante que son las
ferias en persona, por que pasa muy poco en las ferias online en relación a
contactos y relaciones, en mi experiencia. Y también lo que consideramos
cuidadosamente que será exitoso en una feria, se hace más patente en una feria
online; depende de lo que se ve bien en una pantalla, eso va a determinar lo
que funciona y lo que no
JA: ¿Echas de menos viajar?
HA: Muchísimo. De hecho
estaba hablando acerca de los ojalá posibles viajes para este verano, tengo
listas de todo lo que quiero hacer, ciudad por ciudad. Pero también ha sido
bueno bajar la velocidad un poco. ¿Tu echas de menos viajar?
JA: Yo echo de menos a la gente. Claro que también echo
de menos ver arte, no es que no lo esté viendo ahora, pero miro más lo que hay
en la pantalla. Y hay algunas veces donde realmente necesitas ver la obra,
especialmente cuando tratas con artistas emergentes. Me encantaría ver la
exhibición de Alice Neel, pero conozco a Alice Neel. Sin embargo y volviendo a
la exhibición de Baris, me hubiese encantado verla por que creo que tiene
potencial, pero me lo perdí. Echo de menos tener conversaciones con diferentes
personas, así que echo de menos a la gente, no viajar precisamente.
¿Qué crees que tenga que cambiar hablando de
instituciones, galerías, artistas, para sobrevivir los efectos de la pandemia
que estamos viendo pero que creo que están por venir también?
HA: Esa es una gran pregunta. Creo que no ha sido solo la
pandemia; venimos de cuatro años de Trump. Nosotros estamos en Chinatown y en
el país estamos viendo esta horrible violencia y racismo contra la comunidad
asiática. Creo que está siendo un momento de reevaluación para las
instituciones, o eso espero, o eso creo que es lo que tiene que suceder en este
año que ha expuesto incluso más las marcadas desigualdades en los EUA y
nuestros puntos ciegos en cuanto a injusticia, racismo e inclusión. Así que
creo que tenemos que presionar por una diversificación activa y una escucha
activa
JA: Y creativamente ¿qué ves que está pasando en una
ciudad como Nueva York ahora mismo?
HA: Creo que ha habido un florecimiento de la ayuda mutua
muy emocionante. Los artistas se han involucrado, bueno, realmente siempre han
estado involucrados, pero creo que es algo que realmente está surgiendo y que
vuelve a la comunidad. Y creo que los artistas han estado muy ocupados en sus
estudios
JA: ¿Qué te emociona ahora mismo?
HA: Quiero relajarme
JA: Estás emocionada por relajarte
HA: Sí, estoy emocionada por relajarme, cuidarme y cuidar
de mis queridos un poquito más
JA: Entonces para terminar, ¿cuáles son tus planes para
el resto del año, personalmente y para la galería?
HA: Espero poder ir a Europa este verano. Hay la Bienal
de Arquitectura este año en Venecia y de hecho, mi marido y uno de nuestros
artistas estarán participando así que sería muy divertido volver a Venecia, hay
mucho que hacer y ver en Europa. Y también cerrar un año solido de programación
JA: Muchas gracias, Helena, por esta conversación y por
compartir tus pensamientos con el Chico
HA: ¡Muchas gracias por invitarme! Ha sido un placer
JA: Si alguno va a los Estados Unidos, visitad la galería
y visitad helenaanrather.com para ver sus proyectos, seguidlos en Instagram
porque es un gran proyecto. Os felicitamos por lo que estáis haciendo. Muchas
gracias, Helena
HA: Muchas gracias, Javier
JA: ¡Cuídate!
HA: Bye