Transcripción al español del Episodio 26 de el Chico Podcast
Sina Sohrab - MADRID

JA: En nuestro último episodio del 2022 hemos invitado al diseñador industrial Sina Sohrab a charlar sobre su llegada a Madrid y cómo se ha comenzado a relacionar con la escena del arte y del diseño en España. Entre otras cosas, discutimos sobre la idea del éxito en el ámbito cultural,  la necesidad de tener un espectro de plataformas para artistas emergentes en una ciudad y también hacemos un repaso por algunas de las exposiciones en Madrid que han sido relevantes para él durante este año.


JA: Hola a todos, en este episodio número 26 tan especial por ser el último del 2022, queríamos sentarnos con Sina Sohrab, con el que vamos a comentar aspectos  que han sucedido a lo largo de este año en Madrid y mas ampliamente en España. Conocí a Sina a través de Miguel Leiro hace casi dos años; Sina se mudó a España desde Nueva York con su mujer Blanca Guerrero. Quería reunirme con Sina porque siempre que tengo una conversación contigo  tengo la sensación de que soy un poco más consciente sobre las cuestiones que discutimos, así que muchas gracias por estar aquí.

SS: Gracias por invitarme.

JA: Para empezar, hablemos un poco de tu trayectoria. ¿Estudiaste en Nueva York?

SS: Sí, estudié diseño de mobiliario en Rhode Island School of Design. Después me mudé a NY, esto fue en 2012.

JA: Entonces, ¿Cómo terminaste siendo un diseñador?

SS: Casi por accidente; Hice un curso de diseño de mobiliario y lo disfruté mucho. Encontré un verdadero placer en la construcción de las cosas o al menos siendo consciente de la construcción de ellas. Así que simplemente decidí ir a por ello, estudié diseño de mobiliario y mi educación estuvo muy enfocada en construcción, métodos de producción… Luego me mudé a NY después de co-fundar un estudio llamado “Visibility” con un amigo de la universidad y era una consultoría de diseño donde diseñaríamos productos y mobiliario, así como hardware, electrónica, etc. Después, en 2021, empecé a querer una práctica más amplia de lo que me permitía la estructura que habíamos creado, así que lo dejé y  Blanca y yo decidimos mudamos a Madrid y monté aquí una oficina independiente enfocada en el diseño e investigación.

JA: ¿Por qué te mudaste a Madrid?

SS: Desde la primera vez que vine me gustó mucho el ambiente y supe que quería mudarme a Europa con esta práctica, además se sumaba que mi pareja tiene nacionalidad española y por supuesto fue un elemento a tener en cuenta. Fue muy fácil para nosotros mudarnos aquí, pero a parte de eso, me atrajo la energía; La calidad de vida es muy alta, hay una sensación real de comunidad, esas eran cosas que estaba buscando.

JA: ¿Cuándo fue la primera vez que viniste? ¿Fue cuándo nos conocimos?

SS: No, no, habíamos venido antes; Solíamos venir en verano a visitar la familia de Blanca. Creo que la primera vez puede que fuera en 2015 o 2014.

JA: Pero cuando vas a algún lugar en vacaciones, la percepción es totalmente diferente a vivir en ese sitio. Cuando finalmente te mudaste aquí, ¿Fue lo mismo a las expectativas que tenías antes?

SS: Sí, algunas cosas como el sentido de comunidad por supuesto eran ciertas. Obviamente hay realidades que te golpean, como la burocracia española; Pero aun así, ha sido una experiencia bastante positiva. Aquí tengo una auténtica sensación de libertad a la hora de crear y llevar a cabo mis proyectos. La calidad de vida ha sido un cambio muy agradable en nuestras vidas.

JA: El otro día estuvimos hablando de esto, de la idea de libertad. Siempre tuve esta sensación de que en los Estados Unidos, más que libertad te sientes atrapado; Siempre hay muchas cosas a tu alrededor que te empujan a conseguir algo. En España, hay diferentes formas de entender el éxito que es diferente a la de los Estados Unidos. Lo interesante es que has señalado que ese sentimiento es algo europeo…

SS: Creo que hay un par de cosas para desentrañar aquí. Una es que creo que EE.UU funciona fundamentalmente de forma distinta a muchos otros lugares, no es algo necesariamente negativo pero simplemente es un estilo diferente de vida; Hay cosas que me gustan y otras que no. No cabe duda de que en los últimos diez años o más se ha desarrollado una naturaleza polarizadora; Así que te ves empujado hacia "esto" o "aquello". Lo que creo que es interesante, y esto es algo que he tratado de preguntarme a mí mismo, es ¿Qué me valoro?, ¿Valoro la riqueza financiera?, ¿Valoro la riqueza cultural?, ¿Valoro la libertad?… Para mí, una de las decisiones que tomé al mudarme aquí fue reafirmarme en lo que realmente quiero, y lo que realmente quiero es una amplia libertad. Es decir, libertad en el trabajo, en el movimiento, para elegir dejar mi práctica durante dos meses e irme a estudiar a otro sitio o aceptar un proyecto que puede que no pague nada pero que tiene un bagaje cultura realmente interesante. Al final, una de las cosas a la que más me aferré fue la idea de que entendemos por éxito. Creo que es diferente para todo el mundo; Para mucha gente de lugares con un alto coste de vida piensan que el éxito es financiero. Muchas de las infraestructuras europeas permiten definir la libertad de una manera completamente distinta por lo tanto ver el éxito de una manera completamente distinta.

JA: En cuanto a la investigación, por ejemplo, ¿has dicho que te gustaría marcharte para trabajar en otro proyecto en otro sitio?

SS: En realidad, mi proyecto tiene dos vertientes: el diseño, que es bastante literal, es decir, el diseño de productos y muebles. Luego está la investigación, que consiste en escribir, investigar, comisariar proyectos, exposiciones... Estas dos cosas acaban alimentándose mutuamente. Me contratan para investigar un tema, para escribir un ensayo sobre diseño y eso me lleva a investigar otra cosa, que inevitablemente da forma a mis proyectos de diseño. Me gusta ese movimiento de ida y vuelta, esa especie de péndulo. Al mudarme aquí y crear este estudio, he definido esa libertad como la capacidad de moverme entre todas estas cosas. Puedo pasarme el día investigando, escribiendo o dedicar unos meses en hacer una exposición y luego moverme directamente a diseñar una mesa, una silla o un sofá, y me parece mucho más enriquecedor, porque es orgánico, y se aprovechan las enseñanzas de proyectos previos. Para mí se trata de ese movimiento, y sólo llevo aquí unos 14 o 15 meses y eso ha sido gran parte del enfoque.

JA: En ese sentido, tu práctica también funciona como un estudio de artistas… como los artistas emplean mucho tiempo en pensar que es lo siguiente que van a hacer y todo esos proyectos se ven influenciados por los otros. ¿Cómo es llegar a Madrid en el sentido de tu práctica o tu trabajo actual? ¿Llegaste con con materia que ya venías trabajando en Estados Unidos? ¿Cómo fue tu primer proyecto en España o Madrid?

SS: Bueno, la entrada en España fue bastante fácil. Fui comisionado para escribir para un libro titulado “U-JOINTS” y estuve haciendo alguna investigación sobre bridas, juntas de muebles y soldaduras de plástico. Sinceramente, era más fácil hacerlo aquí, así que al mudarme fue una de las primeras cosas en las que trabajé. Por otro lado Miguel también me pidió que comisariara una exposición para uno de sus proyectos, una feria de diseño que se celebra cada dos años. Así que eso fue empezar y esos proyectos hicieron que la transición fuera realmente suave. Creo que el proyecto de la exhibición llevó un montón pero tuvo un desenlace muy interesante, esto fue para el Museo Nacional de Artes Decorativas de Madrid, que es el museo de artes decorativas y era una extensión de la colección. Fui a visitar el museo un domingo y mientras paseaba observaba la colección y me pareció extraordinaria, más tarde ese mismo día  fui al Rastro que es el mercadillo de Madrid y empecé a encontrar conexiones entre los objetos que había visto en la exposición. Así que el proyecto en verdad trataba sobre contextualizar la colección del museo y los objetos del Rastro y encontrar que hacía a estas dos estructuras diferentes. La realidad es que ninguno de los objetos que estaban expuestos en el museo estaban considerados para ser expuestos, estos estaban hechos para ser útiles, de modo que la muestras trataba de eso, de la conexión entre los dos.

JA: La exhibición fue muy inteligente. La manera en la que lo planeaste fue un reflejo… uno en otro, como ese mercadillo que juntaste.

SS: Sí, eso es lo que hicimos, colocamos un mercadillo fuer del museo y comisariamos los objetos del mercado para que correspondieran a la colección del museo que estaría en la exposición. Conseguir los permisos de la burocracia española fue un proceso interesante, de forma que la muestra entera estaba destinada a derrumbarse o desmontarse porque no teníamos los permisos.

JA: ¿La burocracia en España funciona muy diferente a la de Estados Unidos?

SS: Bueno… sí. Para empezar las horas que algunas oficinas están abiertas, que es de 9 am a 2 pm y solo reciben citas los Martes. Por supuesto hay diferencias, las cosas que están dispuestos a aprobar es definitivamente más amplia que en Estados Unidos.

JA: Tiene sentido… Pero por ejemplo pensando en cómo trabajan los funcionarios, también está relacionado con esto de la libertad y la calidad de vida.

SS: Desde luego, también deben tenerlo. Otra cosa que me resultó interesante mientras realizábamos el proyecto, fue que descubrimos que es estado tiene que aprobar cualquier venta dentro del museo, por lo que tuvimos que sacar toda la exhibición fuera; Las instituciones financiadas por el Estado están sujetas a muchas normas. Un gran aprendizaje… pero en verdad fue una proyecto muy interesante y creo que las primeras cosas en que estuve haciendo aquí me ayudaron mucho a entender España y el proyecto entre ellas. Los días en El Rastro hablando con los comerciantes sobre lo que hacían fue una enorme experiencia educacional.

JA: ¿Cómo dirías que se valora el diseño aquí en comparación con Estados Unidos?

SS: Creo que hay un factor denominante, que es que el diseño en Estados Unidos está dirigido al mercado, más comercial; en Europa es más cultural. Un mentor que tuve me dijo que considerara venir aquí y lo que se demostró que era correcto… Eso significa que el diseño tiene muchas formas aquí, me atrevería a decir que la mayoría de las empresas de mobiliario en el mundo están en Europa. Por lo que hay un aspecto de mercado pero lo que hacen que estos proyectos sean interesantes es que están dirigidos culturalmente. Todo el diseño italiano desde los 60s hasta los 90s como Capellini, son compañías culturalmente diferentes. Es totalmente otra perspectiva en comparación con las compañías estadounidenses. En ese sentido, permite que el diseño se más amplio aquí y creo que lo interesante es que hay una apertura real que es difícil de encontrar de otro modo.

JA: Volviendo a la idea de que es ser exitoso es muy diferente aquí y no está tan dirigido al mercado y eso te abre posibilidades no solo como diseñador,  si no también en el lado de las galerías… Esto ha sido lo primero que he realizado por mi cuenta, ha sido estupendo el poder hacer lo que quiera y de cierta forma siempre habrá un público que gravitará hacia lo que yo hago y lo que propongo. Como galería, tengo que tener un objetivo para ser exitoso económicamente porque es muy complicado en España. Mi pregunta para ti es ¿Cómo crees que puedes triunfar en el ámbito del diseño en España?

SS: Bueno, creo que hay un par de cosas, no quiero generalizar de ninguna manera pero creo que la mayoría de gente asociaría el éxito con la abundancia económica. Sin duda, hay que estar en una postura privilegiada para poder decir que el éxito no es económico… Por ejemplo puedes ver IKEA, que es una empresa europea dirigida al mercado. Pero creo que si miras atrás, tanto en el diseño como en la historia del arte, han sucedido cosas interesantes cuando personas han dicho: “Esto es lo que voy a hacer”, en vez de sumarse al sentimiento de “que es lo correcto” en ves de dirigir tu galería de la manera que te apetezca o con cosas que te parecen interesantes. De cierta forma estás dando a entender que el mercado lo aprobará, si vendes está bien, si no tendrás que arreglártelas de otra forma. Al menos intentas exponerte y poner en primer lugar lo que crees que es mejor. Ahora, miras atrás y estas cosas revolucionarias suceden cuando la gente se atrevió, al menos hablando del ámbito del diseño. No me hago ilusiones de que el diseño sea una industria de servicios, ante todo, el trabajo que hago desde la perspectiva del diseño es de naturaleza empática, ya que no es para mí, es para todos. Algo muy interesante sucede cuando dices “No”, esto es como quiero que se haga y puede que no sea status quo.

JA: Aquí estas muy envuelto con la escena artística, vas a todas las galerías y creo que conoces todas las nuevas que están apareciendo en Madrid después de la pandemia. ¿Estabas tan envuelto con la escena artística cuando residías en Nueva York?

SS: Viniendo de una escuela de arte la mayoría de mis amistades son artistas, desde esa perspectiva siempre he estado interesado en el arte… me casé con una pintora. Creo que se da con el territorio, al mudarme aquí, por primera vez tuve el tiempo de poder visitar cosas que nunca tenía tiempo. Creo que el ambiente aquí es muy interesante porque hay muchas pequeñas y medianas galerías que es más complicado encontrar en NY, creo también porque el precio para entrar en ese mercado es alto.

JA: Es muy interesante que hayas mencionado eso porque ese no era un problema antes de la pandemia; Es algo que en verdad ha empezado a suceder después del cierre. Creo que el precio de los espacios aumentó notoriamente tras el cierre, ya que quedó un vacío para que la gente abriera galerías. Viniendo de NY, que es la Mecca del mundo del arte, tuviste esa oportunidad para abrir un pequeño o mediano espacio. Esto se puede traducir en trabajar con artistas emergentes o simplemente en hacer ciertas cosas que una galería de Nueva York no podrías hacer.

SS: Verdaderamente aquí hay exhibiciones que son super interesantes y no son vendibles; eso es muy raro, y es una aportación interesante al discurso; tiene un aire joven, con gente que se arriesga, y eso me parece genial… Algunos funcionan y otros no, pero en definitiva son propuestas interesantes. Aquí parece que hay una división entre la institución y las iniciativas más privadas. Algunas de las exhibiciones que hemos visitado juntos en una institución, que obviamente tienen más fondos y recursos, parece como que quieren cumplir con algo diferente con lo que las galerías privadas están haciendo; Creo que eso también hace que aquí haya un abanico más amplio de proyectos interesantes.

JA: ¿Cuáles crees que son los objetivos de las instituciones cuando los comparas con el sector más privado?

SS: Tengo la sensación de que muchos de ellos están intentando de ponerse al día con NY, o tratando de imitar y llevarlo hacía ahí… También me gusta que los proyectos privados se dediquen a lo suyo, no intentan ir hacia esa corriente. Eso es lo que me parece muy interesante.

JA: ¿Cuáles son las mejores exhibiciones que has visitado estos años? O podemos abrir la pregunta a desde que llegaste, porque en verdad sigues siendo nuevo para esta ciudad. Me gusta la idea de la institución privada, porque también tenemos algunas muy buenas como La Casa Encendida.

SS: Hay público y privado pero también hay un término medio entre ellos, que es dónde entran las instituciones culturales como La Casa Encendida. No son el Reina Sofía o el Prado y no pretenden serlo… Aquí hay un amplio espectro y todos hormiguean de diferentes maneras. Es emocionante… ¿Lo es para ti?

JA: Si, pero tienes razón, sigue existiendo una enorme brecha entre las instituciones públicas, también en términos de cómo responden a todo lo que sucede a su alrededor. No se por que pero para mí las instituciones públicas parecen más paranoicas por estar al margen de más cosas que ocurren a su alrededor, como galerías más jóvenes o galerías algo establecidas o incluso colectivas… Creo que sienten que van a estar empujados a mostrar cierto tipo de cosas, pero ese sentimiento es absurdo y se están perdiendo que está pasando en estos momentos y deberían querer participar en lo que esta sucediendo a su alrededor. Por ejemplo creo que el Reina Sofia podría hacer por la comunidad muchísimo más de lo que está haciendo en estos momentos, tiene una imagen muy anticuada y debería ser la institución contemporánea de España. También lo que veo interesante es que puede que el Reina Sofía, al no responder de la manera que debería, esto provoque que todas las cuestiones que están pasando alrededor se conviertan mucho más importantes en el sentido de ser relevantes; Es algo que está ocurriendo y comprende desde medias instituciones como La Casa Encendida hasta otro museo como puede ser el CA2M como en las galerías. Y creo también todos nosotros somos consecuencia de todo esto, todas las nuevas galerías que están abriendo espacios para llenar el vacío que la institución no está interesado en cubrir sobre las tendencias actuales. No se trata de culpar a la institución sobre lo que debería estar haciendo, si no que creo que simplemente si quieres cambiar algo tienes que hacerlo tú mismo.

SS: Estas instituciones más antiguas dependen en gran medida de su colección permanente, pero en cambio las instituciones culturales de nivel medio no tienen colecciones permanentes en las que basarse, por lo que se ven obligadas a inventar algo nuevo, que inevitablemente resulta un poco más interesante. Me da curiosidad hablar del Reina Sofia porque tienen otros espacios importantes como el Palacio Velázquez y el Palacio de Cristal que creo que hacen trabajos más interesantes. Volviendo a lo que me preguntaste, para mí la mejor exposición que no he visto en Madrid porque no estaba aquí, pero vi las fotos, es la de  Dominique Gonzales-Foerster en el Palacio de Cristal; fue una instalación que funcionó perfectamente con el espacio. El palacio de Cristal es básicamente un invernadero victoriano muy ornamentado y es una arquitectura en la que es muy difícil trabajar. Así que para mi, fue “El” proyecto que funcionó en el espacio. Ella entendió el espacio y que hacer en el, lo usó en vez de luchar contra él. No hay paredes, así que… ¿Dónde cuelgas un cuadro? Tendrías que construir un pabellón o soportes que aguanten los cuadros con pequeños divisores. Ella lo entendió y es extraordinaria. Ha realizado otros proyectos sobre los que se me ocurrió escribir porque me han parecido muy interesantes, pero ese en ese espacio fue perfecto. Todo esto para decir que el Reina Sofía tiene estos espacios y deberían asumir más riesgos…

JA: ¿Has visto imágenes de la exhibición de Nairy Baghramian en el Palacio de Cristal?

SA: No.

JA: Nairy es una artista estupenda,  ya ha estado en la Bienal de Venecia en el 2019 y su trabajo es una combinación de lo que entendemos por diseño y arte. Creo que fue muy interesante lo que hizo porque apenas se pueden ver las obras; Siempre trabaja con diferentes tipos de resinas y lo que hizo fue mezclar tubos que estaban diseccionados en piezas diferentes y estaban sujetos por brazos metálicos, así que dispuso todos ellos fuera y dentro de la estructura y apenas puedes verlos porque eran resinas muy translúcidas, era muy bonito pero no se si era un buen uso del espacio. Me gusta mucho su trabajo, está dominando ese lenguaje, esa gran zona entre lo que es diseño y lo que es arte y además trabaja desde una perspectiva muy bonita que es la doméstica. En estos momentos está trabajando en otras cosas pero siempre hay una perspectiva del hogar, que es lo bonito en él y que es lo útil. Otra exposición en el Palacio de Cristal que fue hace diez años fue la de Tobias Rehberger; Estuvo construyendo unas estructuras de plexiglás muy coloridas y también con revistas. Para mi fue impactante porque el Palacio de Cristal es algo muy bonito, es como una belleza que al mismo tiempo es útil y lo que Tobias hizo fue construir esta especie de bosque de estructuras de plexiglás que en algún momento tenían la intención de ser un habitat. Yo creo que de cierta manera ganó esa batalla contra el espacio. Estabas hablando sobre Vivian Suter…

SS: Sí,  lo que pensé de aquella exposición era que el diseño era excepcional y bien hecho en el espacio, porque construyeron esta infraestructura de madera para colgar las pinturas, y esta lo facilitaba y creaba ese diálogo entre lo histórico y lo contemporáneo; es de esas exhibiciones institucionales en las que la infraestructura dictamina mucho sobre el trabajo. Por otro lado, hablando de asumir riesgos en un nivel más pequeño, mi exposición favorita este año fue la de Alvaro Urbano en Travesía Cuatro, fue una completa transformación del espacio pero es difícil saber si hay algún tipo de trabajo vendible aunque no es lo que importa…

JA: No era la intención principal porque era el primer show de Alvaro en Travesía Cuatro.

SS: Fue una exposición preciosa y pasé mucho tiempo contemplándola, porque lo que creo que fue increíble es que capturó un momento, un sentimiento… y supongo que gracias a ese panel que simulaba ola y con las plantas que fabricó… Me gusto muchísimo.

JA: Volviendo con la exposición de Vivian Suter, realmente no se cuánto de envuelta estuvo ella en la creación de estas enormes divisiones, pero creo que fue muy inteligente y porque otra vez, no estaba luchando contra el espacio, pero desde un punto de vista muy listo de mostrar el trabajo y creo que en esos momentos es cuando la figura de un curador es necesaria, y en mi perspectiva muy bien hecho.

SS: Quien hiciera eso, lo entendió a la perfección y también era tan interesante porque las pinturas se mostraban colgadas, no estiradas. Había algunas dispuestas en las paredes pero la colección principal era un elemento de deconstrucción y básicamente las estructuras que ayudaban a que esos cuadros estuvieran colgados, era con la idea de ocultar las estructuras actuales por ornamentación. Hay un diálogo muy interesante  sobre la deconstrucción y la reconstrucción.

JA: Y al mismo tiempo se veía muy envuelto con el propio trabajo de Vivian, porque ella pinta de esa manera con los cuadros por el suelo. Estuve en Mexico este pasado noviembre y vi por primera vez un cuadro de ella montado en un soporte, fue muy raro, se sentía como que no estaba bien… pero en cambio en esa exposición, no solo porque me guste su trabajo, funcionaba perfectamente. Fue muy inteligente y se disfrutaba desde múltiple perspectivas. Fue muy necesario tener algo así aquí porque se creaban estas dos conversaciones entre quien había creado las estructuras y el artista. ¿Qué más has visto?

SS: La Casa Encendida tiene muy buenos trabajos de video arte, como la exposición de Jon Rafman. Y comentando sobre lo que tienes aquí, la exposición de Abel… La primera exposición que vi aquí fue la de Irene Anguita, me gusto mucho. Las exhibiciones que de verdad me han gustado son las de pintura, siento que son las que gente más subestima.

JA: Creo que la pintura en España es muy fuerte, eso me encanta.

SS: La historia de la pintura española es hermosa. Estuve en una fiesta un mes antes y alguien en un bar me comentó que la pintura en España había sido estudiada como parte de la cultura, quiero decir que es un poco similar en el mundo del diseño. Existe una historia del oficio y la industria. Fue grandioso poder ver las increíbles exposiciones de pintura.

JA: Siempre intento señalar sobre la tradición y herencia que España tiene con la pintura. Creo que la principal diferencia entre lo que paso antes y lo que esta pasando ahora son todos estos pintores: Irene, Pepe, Abel… Esta generación no se esta peleando con su herencia, de hecho la están aprovechando y han sido alimentados con esa herencia.

SS: ¿Están regresando a la figuración?

JA: Regresando a la pintura, como un medio para expresar algo. También creo que es muy valiente tomar esa posición en estos tiempos, porque es más fácil hacer todo. La pintura es más complicada, es muy difícil. Yo no quiero entender otras prácticas pero no es solo tener una idea de lo que quieres pintar, también tienes que dominar la técnica, entender el medio. Ser capaz de dé expresar a través de un medio que es muy complicado algo que quieres decir. Creo que es muy valiente ahora y creo que todos estos pintores, no solo con los que trabajo, están tomado un riesgo. El otro día estaba escuchando un podcast y este artista estaba diciendo que cuando él decide pintar algo siempre se pregunta a si mismo: ¿Qué es lo que me está llevando a hacer esto en este momento? Creo que es una buena pregunta porque tiene que empujarse al límite todo el tiempo.

SS: Sí, es muy difícil. Lo he visto de forma más íntima con el trabajo de Blanca porque vivimos juntos pero también lo note cuando nos venimos a vivir aquí, vi un cambió en su práctica. Es un poco como un eco de este sentimiento y no sé si se base de la práctica lo que interfiere o el entorno de la atmósfera pero últimamente ha estado pintando paisajes. Realmente extraordinario porque antes no le entraba a eso de esa manera, pero era justo lo a lo que iba, hay una increíble historia sobre el paisajismo y el retrato aquí y hay una manera de pelear contra o reinventarlo y se siente como si más personas tratan de alejarlo que trabajar con ello de una forma interesante. Por otro lado tienes a Andres Izquierdo, es escultura claro, pero también se esta dirigiendo en otra dirección. Es curioso para mí ver cómo todos pueden empujarse a sus propias direcciones y hablábamos de como no solo podemos inclinarnos hacia el espectro institucional del trabajo. En la misma rama tenemos lo que Sofía esta haciendo en Pradiauto, que creo tiene muchísimo valor y con esta galería que no es tradicional. Si te remontas a los últimos trabajos de esta temporada, la exhibición de Javi Montoro realmente empujo su trabajo a un nivel de crecimiento como artista. En su exhibición pasada estaba haciendo estas pinturas que tenían que ver mucho con cobertura y tomo eso y lo uso como un paso para su próxima exhibición. Realizó estas esculturas de ropa creando su propio cuerpo, perdiendo el lenguaje regular del cuerpo humano, combina esto con pinturas que se hicieron con sabanas regulares; empieza a crear este diálogo sin esta gran presión comercial.

JA: Si, porque en algún punto a esa edad o al menos cuando tú práctica esta en esa etapa es muy importante no pensar en si se volverá comercial o algo, como impulsado por el mercado, pero mas en como lo empujarías. Es muy interesante para mí hablar con Javier y no más sobre sus referencias, también me sorprendió bastante cuando fui a la exhibición porque vi que tomó muchos riesgos.

SS: Lo deberías traer aquí y hacerlo en inglés porque el inglés es hermoso. Él puede recitar muchos sonetos sheakespearianos.

JA: Tal vez podríamos convertir el podcast a eso…

SS: Es un espacio de performance, no pero creo que ese es el valor. Hay espacio para experimentación y tomar riesgos y el éxito no es necesariamente una definición en concreto.

JA: Es muy interesante como esta generación de artistas que regresan a su herencia sin ideas preconcebidas, sin ningún juicio. Ni siquiera creo que ellos supieran que tan críticos fueron las generaciones pasadas sobre esa herencia y cómo empujaron a otra dirección para poder volverse más modernos.  

SS: Es como si excavaran hacía una noción más amplia de esa herencia, como si trataran de obtener una verdad universal, como dividir sensibilidades o conceptos de herencia. Es curioso. Bueno, esas son algunas cosas que vi durante este último año.

JA: Muchas gracias Sina. Es siempre un placer tener una conversación contigo y espero no se la última vez. Te volverás host de este podcast… Te agradezco mucho. Es fantástico tenerte aquí, no solo en el Chico, sino en España. ¿Tienes alguna página web donde las personas puedan ver tu trabajo?

SS: Sí, tengo un sito web: sinasohrab.com

JJ: ¡Perfecto!  Para quien quiera echarle un vistazo. Muchas gracias por acompañarnos en este último episodio.

SS: Gracias por invitarme y por hacerlo en inglés, lo aprecio mucho.